藝術家與藝術現場

撰稿 : 胡鐘尹 Hu Jung Yi

倫敦泰特現代藝術館(Tate Modern)將於2020年5月，帶來藝術館20週年館慶特展《Tate Modern Turns 20》，以20組藝術家：國際藝術大師，配對新生當代藝術家的策展概念，象徵20週年來泰特美術館在當代藝術收藏、研究、推廣上不遺餘力的豐碩成果。

法國藝術家路易絲·布爾喬亞(Louise Bourgeois)的巨型蜘蛛《Maman》作品，與台灣觀念藝術家李明維(Lee Mingwei)搭配，以迷宮為概念，舞者身體慢慢的掃開稻穀，隱喻在現代社會的不同關係狀態裡，心靈的微妙感知與軌跡。從旋繞、停頓、帶出空間與無聲沉思與意韻。特展中也帶來草間彌生（Yayoi Kusama ) 《無限鏡屋──滿載生命燦爛》(Infinity Mirrored Room – Filled with the Brilliance of Life) , ，引領觀者沉浸在鏡房內充滿生命力反射的光彩與感官奇境中。

繼往開來，當代藝術表現宛如一連串，揭示在觀者面前的「事件簿」，這些事件簿有時涉及私密的心靈探索，有的碰觸開放視角的公共議題。感知的空間是如何被創造的？建築師會說立上幾垛牆、弧面，或有窗、有門，便成就了一處居所。

舞蹈家認為當肢體劃過寂靜，動與不動之間的觀看與呼吸頻率，便成了空間。或者一座雕塑放在那裡，凸顯了周圍。空間的形成，取決於主體與客體同在一個介面的存在，互相觀看而觸發感知的時刻。

1952年約翰.凱吉（John Milton Cage Jr.）的作品《4′33″》讓一位身穿禮服的鋼琴家上台，在鋼琴上不彈奏任何一個音鍵，讓時間「空白」的度過四分三十秒，來完成這首「樂曲」。演出過程中觀眾的呼吸聲、竊竊私語、焦躁與任何的聲響，都被視為這首樂曲的「音樂」，凱吉重新顛覆了音樂與演奏的既定認知。

究竟什麼樣的「內容」可被視為作品正式成分呢？實驗的觀念演繹，以及作為觀念表述的當代作品，若不是像古典藝術般，要在歷史的沈積中留下永恆的註記，在藝術創造的體驗中，藝術家要的是什麼？觀者期望得到的又是什麼呢？

如果「體驗」是一種被創造的感知空間裡的「邂逅」，如果有幸，你因藝術家作品中的某些靈感與思想而觸動，那便贖回了對於「當代藝術看不懂」的未知與成見。

另一個更極端的例子：以「體驗」與「事件簿」代表的作品是觀念藝術家布萊希特(George Brecht ) 1959年所發表的作品。在演出時，他從觀眾席後方搬出一座梯子上台，爬上梯子後用花灑將水從高處滴落，於地上的鐵桶中產生不連貫且大小不一的錯落聲響。以此完成一件音樂作品 -《滴灌音樂》（Drip Music）後便向觀眾鞠躬下台。

「事件」成為連接創作者與觀者的「作品」，觀念作品富饒趣味的地方，便是不曾預設在「事件」中觀者應該得到什麼內容？

作品在等待中完成，在時間的過程中獲得認識，概念也在物質交換的過程中，拋開物質而成為感知的共鳴，在「行動中」或者「轉身後」留下的兩種完不同的作品存在狀態。

在回到藝術家李明維(Lee Mingwei) 2018年他應法國龐畢度中心邀展，讓美麗的「體驗」化作展廳裡最美的「事件簿」，帶來其《聲之綻》(Sonic Blossom) 的行動藝術作品，把舒伯特的藝術歌曲(Schbert：Lieder ) 透過五位聲樂家的演唱，在美術館的不同展間穿梭，輕輕的拉起觀眾的手，把歌曲化作贈禮，在迴聲蕩漾的歌曲中，讓觀者透過聲音的贈禮，獲得美的體驗與記憶，觀者走進展場沒有預設意外獲得的驚喜，讓主體與客體共處的感知空間，瞬間被創造了出來，《聲之綻》既是私密的體驗，也是開放的分享。

當「體驗」成為展覽中唯一被留下來的東西，也許藝術作品成為事物的同時，它該被概念定義為什麼? 需要什麼被「給定」的意義? 便不再重要，即便展覽結束、藝術家引退，作品也不曾缺席，物質消失了記憶卻還收藏著，只要感知的空間曾經被深刻的創造出來，作品的體驗與形式，便轉換為抽象感知與記憶抽屜的具體內容，埋藏在回憶裡，等待再次的觸動。

只要媒介存在，藝術家便不需要文字語言的附註，藝術創造的形式語言、觀念的傳遞，在一來一回的無聲交流中，讓創作者與觀者得到各自所需的養分。當代的故事還沒寫完，一扇窗仍持續開著，路便在眼前，隨著不斷觸及的體驗，思索如何再次認識世界，以及認識新的可能。